Estados transitorios

Con la realización de esta serie, he querido profundizar en el tema del olvido que llega indefectiblemente tras la desaparición de personas o de lugares.

En 2019 instalé mi laboratorio portátil en una vieja fábrica textil con el propósito de hablar de aquellos tiempos lejanos y contar las historias de hombres y mujeres que ya no recordamos. Sin duda, la magia fotográfica logra armonizar los periodos desconectados y el tiempo presente, reparando y tejiendo de nuevo todos los hilos de la trama. Los telares envueltos en sudarios polvorientos se erigen como fantasmas del pasado. ¿Qué pasó con aquellos trabajadores infatigables, de los que no nos queda rastro alguno? En un ejercicio de remembranza, me propuse adentrarme en sus ánimas, devolviéndolos a su lugar de trabajo espectral con el fin de confirmar una existencia pasada.

Incidiendo en este sentido, como el colodión es también un asunto de espíritus, a los de los operarios y a los siniestros telares, se añaden imperfecciones y artefactos, que dejan su huella indeleble sobre la placa de metal.

¿Dónde? En Karagandá

Me defino como una fotógrafa con interés en diferentes registros fotográficos, pero en todos mis trabajos se plasma la soledad, la dureza y la tristeza de la condición humana, con el ávido deseo de presentarlo con una estética bella y cuidada. El título del proyecto “¿Dónde? En Karagandá” hace referencia a una antigua frase de tiempos de la Unión Soviética aludiendo a que algo se encontraba en medio de la nada o “en el quinto pino”. Karagandá desempeñó un papel crucial en la industrialización y modernización de la Unión Soviética como productora de carbón y hoy en día ha vuelto a cobrar importancia tras el inicio de la invasión rusa de Ucrania. En cada una de las imágenes subyace un mensaje de desasosiego que invita a la reflexión. ¿Paisajes apocalípticos grotescos o belleza turbadora? ¿O quizás ambos? Sin proponer juicios de valor o análisis políticos, se cuestiona la estética del abandono, del olvido, interrogando las superficies ásperas y rugosas de sus paisajes, su arquitectura industrial y la lejanía de sus habitantes.

El recorrido parte de Karagandá, la capital de la provincia homónima y llega hasta la mina de carbón ShubarkolKomir pasando por Temirtau, considerada una de las ciudades más contaminadas del planeta.

Aberrations Portrait

Con esta serie de retratos en blanco y negro busco capturar la psicología profunda de los personajes, revelando sus aptitudes y actitudes más íntimas. A través de diferentes enfoques y ausencia de color, estas imágenes exploran la complejidad de la condición humana, destacando las facetas más crudas y aberrantes de la realidad. En cada retrato, la falta de color permite centrar la atención en los detalles expresivos del rostro y el cuerpo, acentuando los rasgos y creando un ambiente de introspección y misterio. La intención es ofrecer una visión sincera y sin adornos de su realidad.

Pantagruel

En 1565, Richard Breton editó «Les songes drolatiques de Pantagruel», un libro sin texto que presenta 120 criaturas enigmáticas, oscilando entre lo cómico y lo siniestro. El misterio del libro proviene tanto de los dibujos como de las teorías sobre su autoría. El título se refiere a las «droleries» medievales, figuras burlescas del siglo XIII en Francia. Salvador Dalí se inspiró en este libro para sus litografías “Los sueños caprichosos de Pantagruel” (1983).

Este trabajo fotográfico busca conectar al espectador con el carácter satírico e irónico de las imágenes, explorando dos direcciones: “fuera-dentro” (capturar escenas externas) y “dentro-fuera” (crear escenas desde ideas internas). Mis imágenes combinan tomas fotográficas y autorretratos digitales, despersonalizando al personaje con un sombrero y un abrigo. Este personaje sirve como un alter ego para reflexionar y filosofar sobre el mundo y sobre mí mismo, actuando como catarsis en mis conflictos.

El filósofo Markus Gabriel habla de la «composición» de la obra de arte, incluyendo la obra, el lugar y el espectador. Pantagruel reclama esta «composición» en su discurso expositivo.

El hilo de cobre

El hilo de cobre es un proyecto fotográfico que habla de amor y tecnología con la representación de una videollamada de pareja, reflejando cómo nuestras formas de relacionarnos han cambiado mediante el uso de la tecnología.

Desde la creación de mi personaje artístico Eva, la tecnología ha sido un concepto que utilizo regularmente en mis proyectos. Es un elemento tan característico y poderoso de nuestra era que ha logrado cambiar todo, desde nuestro entorno hasta nuestras relaciones, y, sobre todo, nosotros mismos.

¿Pero realmente somos conscientes de ello? ¿O ciertos elementos han entrado en nuestras vidas cotidianas por ósmosis sin siquiera cuestionarlos? ¿A dónde nos lleva? ¿Cómo podemos, como artistas, integrar la tecnología en nuestras obras de manera que represente nuestro mundo actual? Estas son las preguntas que guían mi trabajo creativo, en línea con mi objetivo de proponer un lenguaje visual que invite a la reflexión a través de una representación artística coherente con nuestros tiempos actuales.

Lugares comunes

Lugares Comunes es un proyecto fotográfico desarrollado mediante combinaciones de imágenes, tanto químicas como digitales, tomadas en distintas localizaciones a lo largo de varios años. Se trata de polípticos fotográficos materializados en forma de ejemplares únicos, cada obra está formada por una secuencia de imágenes inconexas que forman un relato abierto a múltiples interpretaciones.

Lugares Comunes hace referencia a sitios anónimos que pertenecen a todos los lugares y a ninguno al mismo tiempo: espacios industriales desiertos, bosques, casas ruinosas o explanadas vacías. En estas imágenes es posible rastrear la influencia de la corriente artística denominada New Topographics, un movimiento nacido a mediados de los setenta que, en palabras de Juan Miguel Sánchez Vigil, “Se caracterizó fundamentalmente por la representación de determinados escenarios afectados de alguna manera por la desolación”.

Lugar, umbral

Lugar, Umbral, reúne una selección de piezas que hablan directamente de Fotografía, y reflexionan sobre la dificultad de conocer -de asir la realidad-, particularmente a través de la imagen. El proyecto se desarrolla a lo largo de un año, mediante diversas visitas a cuatro obras arquitectónicas en curso. A través de un seguimiento fotográfico y emocional, exploro la relación entre la construcción arquitectónica, la construcción fotográfica y la construcción de la realidad propia. La selección aquí realizada incide en esta apreciación: la propuesta expositiva trasciende la imagen, en una investigación de la materialidad de la fotografía y de su condición objetual. El umbral entre lo real y lo interpretado se expande para dejarse habitar: la imagen fotográfica como metáfora de lo que damos por cierto, el objeto fotográfico como generador de extrañamiento y de pensamiento crítico.

Bolardajara: río de bolardos

Está Guadalajara invadida por los bolardos?
Evidentemente si.
Como si de una conquista se tratara, la ciudad ha sido tomada sin darnos cuenta y ahora que están entre nosotros, nos preguntamos:

-Son necesarios tantos?

Las 64 imágenes (postales) han sido tomadas en la ciudad de Guadalajara ex profeso para esta obra, en el año 2019 y no se ha añadido ni quitado ningún bolardo.

Juegos reunidos

En Juegos reunidos, Oscar Rivilla colabora con la artista de performance, Patricia Landabasso. La idea del juego como experiencia compartida se refleja en un proceso creativo donde ambos artistas se atreven a experimentar, buscar el acuerdo e incluso ampliar la forma de entender sus respectivos medios artísticos.

Juegos reunidos reflexiona sobre los juegos o juguetes como depositarios de recuerdos, referentes de una época y puntos de encuentro que permiten superar las diferencias generacionales, de origen geográfica o estatus socioeconómico. El proyecto indaga en la conexión entre memoria y emoción. Por medio de la descontextualización — transportado el juego a lugares tan corrientes como inapropiados, con protagonista adulta — cuestiona el abandono en la madurez de nuestro ser interior más juguetón.

Envolturas

Este trabajo habla de memoria. De la mía y la de los míos. Dice Benjamín que los recuerdos son las huellas de una vida, de una existencia ya extinguida que habitan en silenciosas y desoladas galerías, que se resiste al olvido, porque el olvido es la pérdida definitiva de aquel o aquellos seres añorados o queridos. Entre los míos la memoria se aprende y se aprehende.

Envolturas está compuesta por una serie de imágenes que se diluyen y envuelven entre si. Que nos hablan de los recuerdos que afectan y por los que somos afectados.

Renascence

Renascence es una búsqueda y un encuentro con un referente femenino del siglo pasado. Un proyecto fotográfico coral en torno a la figura de la poeta Edna St. Vincent Millay, una de las mujeres más influyentes de la poesía del siglo XX. El trabajo es un acto de re-descubrimiento para visibilizar y traer al presente un referente femenino olvidado, en un viaje de ida y vuelta, de identificación, resonancia, realidad y ficción, en el que la poeta se transforma en un espejo que me permite ir más allá de la imagen reflejada. He contado con la colaboración de 8 fotógrafas que han realizado 8 autorretratos inspirados en poemas de Millay. El relato se construye en un espacio imaginado, donde se mezclan realidad y ficción, pasado y presente, en dos mundos paralelos que se van entrelazando. La infancia, la relación con la madre, la creación artística, la vida libre y bohemia, la independencia, el amor sin género, el ser o no ser madre, el cuerpo, el dolor, la naturaleza y la muerte, son los temas que subyacen.

Arte-Naturaleza es la premisa fundamental de mi trabajo. Me interesa ahondar sobre la huella ecológica del arte contemporáneo. Mi foco principal radica en esa relación que establece el ser humano con la naturaleza, que está orientada por el deseo de control y saqueo del mundo natural, y que lleva a intervenirlo y a hacer “uso” y “abuso” de él.

(…)Todo comienza con la cámara Fuji Fine Fix en mano, buceando en el mar – siendo las aguas del Mediterráneo frente a la costa de Menorca sus favoritas, – para fotografiar formas acuáticas vivientes, cuya vivacidad y textura apelan a su sensibilidad. Y entonces, Peche vuelve al ordenador de su estudio a manipular con pasión sus fotografías iniciales. Lo que separa las imágenes de Peche de lo mundano es su hábil ojo arquitectónico. Su habilidad para crear la atmósfera, la ilusión de profundidad y la sensación real de agua es increíble, lo que se hace más evidente en sus fotografías del fondo del mar. El efecto alcanzado es que las formas y organismos en sus retratos sepia polarizados -retratos de anémonas y corales- parecen vivos, respirando y mirándonos, tal y cómo ella los encuentra en el fondo del mar. (Fragmento del texto La impresionante belleza de la Naturaleza, de Edward Rubin.)

Bajo la cúpula

Bajo la cúpula es un viaje por el mundo de las emociones, un recorrido por los diferentes estratos del subconsciente y una inmersión a los rincones más profundos de la mente.

Este proyecto nace como una necesidad vital de expresión, como una válvula de escape ante una vorágine de sentimientos muy intensos. Una manera de arrancar nudos del alma.

Las imágenes muestran belleza y dolor. Exploran el aislamiento solitario del ser humano y la maravillosa brillantez de ser encontrado. Te recuerdan el hecho de que no estás solo y que hay belleza en los momentos más oscuros. Porque es tocando fondo, aunque sea con amaragura, donde uno llega a saber quién es. Bajo la cúpula es una invitación al sentir, a la reflexión, a mirar hacia dentro de uno mismo.

SLOWPHOTO es un proyecto formado por Jesús Limárquez, José Magano, Rubén Morales y Jose Manuel Poyatos que aboga por la fotografía lenta, pausada y sin prisas.

Entre cantos y caídos

Esta serie plantea una narrativa de desplazamiento y recontextualización mediante la inserción de elementos del paisaje del Valle de los Caídos, en otro divergente como las canteras de Alpedrete, lugar de extracción de la materia prima usada en la construcción del monumento. La elección de utilizar como soporte los mismos materiales empleados en la construcción del Valle de los Caídos, añade una capa adicional de significado a la obra, siendo ahora la textura áspera y la solidez del granito berroqueño, el lienzo de estas representaciones distópicas. La serie propone una reflexión profunda sobre la historia, la identidad y la reinterpretación de los símbolos, abriendo un espacio para la exploración critica de nuestra relación con la memoria colectiva y la representación visual del pasado.

Mucho por ver

Toda fotografía es un recuerdo. Recuerdos de un tiempo pasado, grabado en lo más profundo de la memoria. Hoy más que nunca es la imaginación y la intuición, las que guían mis pasos. Cuando viajamos, casi siempre es en busca de paisajes conocidos. Esos paisajes los forman nuestros sueños, anhelos y visiones de otro tiempo. Porque nuestros ojos no ven más que lo aprendido. Esos paisajes forman parte de nosotros, de nuestro interior. Paseando desde lo más profundo de nuestra memoria surgen nuevamente, nunca te abandonan. Puede que ya no los vea, pero nada impide que los recuerde. Antes sólo podía fotografiar lo que tenía a la vista. Ahora sé que la mirada de un fotógrafo no está en su ojo. Este, sólo es la herramienta, que nos permite ver.

Vigilantes

En otro tiempo, en lo más recóndito de la costa, lo más inaccesible y solitario del paisaje, frente a un horizonte plano y profundo, se yerguen unos monolitos como pilares de vida, emitiendo una llamada cual cantos de sirena. Cantos de sirena inversos, evitando a la parca. Como una conexión cilíndrica entre lo divino y lo terrenal, entre la vida y la muerte.

Testigos de un pasado luminoso ya apagado o en penumbra.

En estos tiempos el significado es otro. Los de tierra adentro acuden incesantes a estos lugares como un acto pagano, al ocaso del día, a escuchar ese primer canto de sirena iluminado.

Camina hacia la luz.

Finis

Nuestros cuerpos se han convertido en nuestras propias fronteras. Condicionados por la percepción ajena dejamos que la belleza de nuestro cuerpo quede oculta, sin tener en cuenta que es una forma más en el paisaje, formado por suaves colinas, luminosos valles, y acantilados llenos de bellas imperfecciones. Son todos estos horizontes parte de nuestra esencia, parte de la naturaleza. Disfrútalos, no es necesario un atardecer.

Southern Raid

A pesar de que las veredas más trilladas parecen marcar el destino de la mayoría, en ocasiones surge la fascinante necesidad de explorar alternativos vericuetos y senderos ocultos que seducen al viajero en busca de una esencia paradigmática. Inevitablemente, la brújula se opone a la fuerza magnética y apunta con certeza al Sur; pero no como un punto cardinal, ni como designación geográfica, sino como un símbolo de descubrimiento y, por qué no, como un rebelde acto de oposición contra la monotonía: una suerte de declaración de independencia ante la absurda rutina establecida. En la proyección caleidoscópica que supone la percepción colectiva, el Sur se forma por lo general como un constructo complejo, en una urdimbre tejida con estereotipos y prejuicios entrecruzados. Históricamente, relegado a un papel secundario y marcado por fuertes connotaciones peyorativas, se presenta como un yermo horizonte de desventaja y atraso. Bajo esta oscura estigmatización, yace la oportunidad de un auténtico viaje a Ítaca desafiando la lógica convencional. Existen sures en el Norte y nortes en el Sur. Existen sures al Sur del Sur e incluso más allá. Esta serie pretende reflejar una voluntad, la mía, porque el Sur representa tan solo una elección de vida.

La Agrupación Fotográfica San Sebastián de los Reyes (A.F.S.S.R.) es una entidad cultural sin ánimo de lucro, cuyo fin y propósitos son la difusión del Arte Fotográfico y la formación permanente entre sus socios.

La selección de las ocho series de fotografías expuestas pertenece a las premiadas como primera, segunda, premio local y cinco colecciones más de la XXXIV edición del Concurso EL LOBO Y EL MADROÑO, seleccionadas por el jurado de esta edición que estuvo compuesto por Maria Teresa Barranco, Eduardo Momeñe y Ángel Lopez Soto.

Un hogar en el exilio

Un hogar en el exilio es un proyecto fotográfico documental en desarrollo que utiliza el retrato para contar una historia de colaboración entre César, un jubilado dependiente cuyo hogar en Pinto (Madrid) se ha convertido en lugar de acogida de refugiados de diversas nacionalidades desde hace 7 años, centrándose en Raben de Siria, Kim de Senegal e Isatu con sus tres hijos de Gambia. Este trabajo busca crear conciencia sobre las dificultades a las que se enfrentan los refugiados en España para encontrar un hogar, al mismo tiempo que visibilizar el problema de la soledad y dependencia de nuestros mayores mostrando cómo pueden surgir sinergias de convivencia solidarias y enriquecedoras entre la persona que acoge y el acogido. Un hogar en el exilio combina retratos, imágenes de la casa y objetos personales con textos que relatan apoyados en sus entrevistas las experiencias y sentimientos de los protagonistas prestando especial atención a las relaciones enriquecedoras que surgen de la convivencia y la mutua ayuda.

*Obras premiadas en la XXXIV edición del Concurso EL LOBO Y EL MADROÑO.

Colores primarios

Esta serie se titula Colores primarios ya que el nexo de unión entre ellas es el trazo de color amarillo, magenta y cian que acompaña a cada una de las fotografías. Pretende expresar de manera poética los recuerdos, sentimientos y añoranzas que transmiten diversas fotografías antiguas, manuscritos y demás composiciones de fotográficas personales. La serie surge a partir de una recopilación de diferentes cartas manuscritas y fotografías antiguas que encuentro en cajones olvidados. A partir de este momento comienzo a investigar en mi archivo fotográfico personal para encontrar nexos entre todo el material. He compuesto las imágenes desde un punto de vista completamente subjetivo intentando transmitir algo parecido a un «manifiesto femenino» para reivindicar la sensibilidad y las ilusiones propias de la mujer.

*Obras premiadas en la XXXIV edición del Concurso EL LOBO Y EL MADROÑO.

Rincones de un edificio aparentemente abandonado y en ruinas toman vida con elementos cotidianos de nuestros espacios vitales, lugares en marcado contraste con la desolación que lo rodea. La serie invita a los espectadores a reflexionar sobre la vida que puede surgir incluso en los lugares más inesperados y aparentemente desolados.

*Obras premiadas en la XXXIV edición del Concurso EL LOBO Y EL MADROÑO

Desvelo 2

Desvelo 2 forma parte de un trabajo personal y reflexivo sobre el miedo a que llegue la noche, el tormento de otra noche de insomnio. La frustración, la ansiedad y la angustia de una noche silenciosa y oscura, que dará paso a un día sin energía. Las noches que son días y los días que son noches.

*Obras premiadas en la XXXIV edición del Concurso EL LOBO Y EL MADROÑO.

Natura – Machina

A veces la actividad humana construye sin pretenderlo paisajes de una belleza que, por no intencionada, resulta aún más fascinante. En ellos permanece la cómplice maquinaria, que acabará por establecer un antagónico diálogo con esa falsa naturaleza fabricada.

*Obras premiadas en la XXXIV edición del Concurso EL LOBO Y EL MADROÑO.

Maramures

Las cruces, testigos silenciosos de la vida y la muerte, se alzan como guardianes en los paisajes nevados, recordando la fragilidad y la belleza de la existencia humana.

*Obras premiadas en la XXXIV edición del Concurso EL LOBO Y EL MADROÑO.

El sonido del miedo

Con la serie El sonido del miedo activo una búsqueda consciente de imágenes que ejerzan en mí un poder curativo y para ello exploro escenarios donde se actualizan las emociones del pasado. Sobre ellos plasmo un catálogo de sentimientos que habitaron en mí con la intención consciente de darles forma, de materializar las sombras. Intento incluir solo lo justo la figura humana con el propósito de hacerme presente en esos sentimientos, confrontando lo efímero con lo perenne, desde mi forma personal. Utilizo el espacio y su atmosfera como transmisor de esos sentimientos. Analizo amenazas que viven discretas y amables dentro de un marco de luz, formas y distorsiones usando un tratamiento que reduce al mínimo el color para subrayar la atemporalidad de esas emociones dentro del contexto. Mis lugares no son solo míos, son espejos donde cualquiera se pueda mirar, donde cualquiera pueda transitar. Busco lo que fue y lo comparo con lo que es, iniciando un camino hacia la libertad.

*Obras premiadas en la XXXIV edición del Concurso EL LOBO Y EL MADROÑO.

Obras premiadas en la XXXIV edición del Concurso EL LOBO Y EL MADROÑO.