Grito es un proyecto fotográfico que parte de una interpretación poética de la realidad y pretende evidenciar la fragilidad, nunca explícita, de los seres retratados con imágenes que sugieren emociones viscerales, trasmitiendo una conexión entre naturaleza y cuerpo, proponiendo analogías. Es un grito contenido y roto, un llanto que no brota y que invita a que sea el propio espectador el que deba completarlo.

La mayor parte de las fotografías son autorretratos que evocan dolor, vulnerabilidad y tristeza dejando entrever un proceso creativo en el que la fotógrafa es a la vez sujeto y objeto, es decir, se exhibe y se inhibe en un mismo plano.

A la hora en que nos fuimos es un proyecto postfotográfico que explora el desarraigo migratorio inducido por la globalización y su control mediante tecnopolíticas de vigilancia, que nos invita a reflexionar críticamente sobre las fronteras invisibles y los efectos de la migración en la identidad.

A través de una serie de retratos modificados con inteligencia artificial y testimonios personales, busca visibilizar las experiencias de movilidad y desanclaje.

Pinchos! es un trabajo visual que relata un paseo por el centro de Madrid, donde la arquitectura se adapta al ritmo acelerado de la ciudad y su concentración de comercios. Estas formas metálicas, ubicadas en escaparates, poyetes y portales, están diseñadas para ser incómodas a fin de evitar que alguien se siente o descanse. Una herencia de la arquitectura hostil anti-mendigos, ahora democratizadas, nos rodean. Las fotografías reflejan la perspectiva de quien no puede descansar y debe seguir caminando, mostradas en bloque como símil del mecanismo de esta arquitectura.

Fragilidades nos traslada varios interrogantes: ¿Es fiable nuestra memoria? ¿Cambian y se distorsionan los recuerdos? ¿Influyen los recuerdos en la formación de nuestra identidad personal?

La memoria autobiográfica registra las vivencias, pero no evoca momentos tal cual ocurrieron, sino que los reconstruye influenciada por el contexto y sentimientos. La identidad individual es un proceso cambiante de construcción del “yo”, y sin recuerdos no podríamos hablar de identidad personal. “Fragilidades” es una instalación formada por cinco piezas que reflexiona sobre la delicadeza de la identidad, el ser humano y su memoria, creando un vínculo entre los materiales y la condición personal. El cristal, la gelatina de la emulsión de polaroid trasportada y la superposición de imágenes en el espacio, nos imbuyen en la distorsión del concepto de memoria.

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Ignominia nos refleja que una parte de la filosofía describiría la soledad como una especie de refugio donde se hace posible el pensamiento, un espacio donde conversar con uno mismo y con los demás. La soledad se encuentra en la región más profunda del ser humano y se expande a medida que el individuo toma consciencia y enfrenta las experiencias límite de su vida.

Las fotografías que componen Ignominia pretenden irradiar un tipo de soledad más profunda, ampliamente abordada en literatura y filosofía: una soledad como tragedia existencial. El desasosiego al saber que no eres libre de elegir tu pensamiento, poseer una sensación de vacuidad y preguntarse el por qué y para qué vives, son constantes vitales en personas que han transitado por vivencias traumáticas.

Cavar el río es una denuncia fotográfica que trasciende la simple excavación; es convertir el cauce en una herida abierta, un acto de abrir la tierra para extraer su memoria sumergida. En la Amazonía, cada imagen de una draga en acción revela más que un proceso extractivo: muestra un paisaje transformado, donde la maquinaria pesada devora el lecho del río en la búsqueda de oro, caucho o petróleo, dejando tras de sí aguas turbias y silencios profundos.

La superficie del agua antes serena, se vuelve un espejo distorsionado, en un intento de entender cómo el cuerpo del agua se convierte en botín y ruina, cómo su lecho removido expone una historia de violencia repetida.

Tratando de desenterrar no solo los despojos materiales, sino también los relatos ocultos bajo la sedimentación del progreso. Es un intento de entender cómo el cuerpo del agua se convierte en botín y ruina, cómo su lecho removido expone una historia de violencia repetida. Aquí, la corriente no fluye libre: es perforada, saqueada y obligada a contener el reflejo distorsionado de quienes la explotan, son historias silenciadas bajo la sedimentación del progreso.

Teatro de retratos bizarros captura y desnuda el yo más íntimo de cada ser humano, desplazándose entre el exceso, la poesía, la provocación y la más cruda realidad que acompaña a estos personajes inadaptados y sus vivencias.

Historias dominadas por matices descarnados, dolientes, rotundos, que paradójicamente tienen una carga extrema de hipersensibilidad. Sus miradas firmes interpelan con el espectador con una sinceridad sin límites, sosteniendo un encuentro recíproco, fusionando crudeza y belleza, sin dejarse someter ni deslumbrar por la banalidad, generando un autorretrato expandido, inquietante y nihilista.

Micromundos es un proyecto fotográfico que fusiona la instalación y la imagen para crear universos en miniatura donde la imaginación cobra vida, un escenario donde lo diminuto se vuelve inmenso, lo ordinario se torna extraordinario invitando al espectador a transitar lugares donde se funden la realidad y la ficción.

Una construcción meticulosa de escenarios en pequeña escala con base en la técnica del origami, generan instalaciones meticulosamente iluminadas que narran una historia propia, evocando sensaciones, recuerdos y reflexiones sobre la relación entre el espacio, los objetos y el ser humano. Cada imagen es el testimonio visual de un mundo fugaz y efímero

Humanópolis nos plantea una serie que busca rehumanizar el espacio urbano, recordando que la ciudad está al servicio del individuo y debe ser vivida conscientemente. La fusión del cuerpo desnudo con el entorno refleja la interdependencia entre ambos, desde una perspectiva universal, sin distinciones de sexo, raza, o clase social, donde la ciudad y sus habitantes evolucionan juntos, reflejando los cambios socioculturales y los valores históricos de la sociedad.

Los lugares que habitamos son un producto de las necesidades del hombre, y la arquitectura actúa como una expresión de esa relación, generando una analogía entre el cuerpo humano y la estructura de la urbe, sugiriendo que, como el cuerpo necesita cabeza, corazón y arterias, la metrópoli necesita centros culturales y espacios públicos para respirar y conectarse. Humanópolis nos invita a reflexionar sobre cómo el cuerpo y la ciudad son expresiones mutuas de cultura, historia y necesidades humanas.

Aftermath es un trabajo en el que se actualiza y reinterpreta el impacto del trabajo “Colosos” de Máisel López, quien realizó un trabajo de pintura mural a gran formato, concebido para interactuar con el espacio urbano y con la comunidad. Inspirado por el pensamiento martiano “los niños son la esperanza del mundo” se plasma esa idea en tamaño gigante, para resaltar la importancia de los niños en la sociedad rindiendo homenaje a su inocencia haciendo referencia a la pérdida de esos momentos durante la vida adulta.

Cuando se cumplen 10 años desde el comienzo de “Colosos”, Juan A. Montes actualiza su impacto sobre el entorno, recorriendo una trayectoria inversa al devolverle a los murales su condición inicial de fotografías, implementando en ellas a sujetos reconvertidos en nuevos notarios del paso del tiempo e interlocutores de la metáfora nostálgica de la evolución de Cuba.

La serie Chiques nos presenta un conjunto de retratos de adolescentes en la ciudad de Beijing, unas imágenes que abordan la construcción de las identidades, particularmente las de las mujeres y las diversidades, los mestizajes, las transiciones desde diferentes perspectivas que se interconectan, transformaciones de la infancia a la adultez, de sexo, de cuerpos a cuerpos digitales, las migraciones y la cultura oriental. Es la continuación de los trabajos previos de Laura Ortego, una evolución de las temáticas que ha ido abordando a lo largo de su trayectoria, la transición de edad, de territorio y en este caso de sexo, bajo el prisma de unos retratos cargados de curiosidad y empatía.

A lo largo de varios años su trabajo se centró en fotografiar a chicas perdidas en la ciudad y en la naturaleza ominosa, y en el año 2012 abandonará esos escenarios para concentrarse en sus cuerpos y la transición entre la infancia y la etapa adulta.

Aquel Madrid de la transición es un proyecto a 4 manos realizado por Juan Miguel Sánchez Vigil y Manuel Durán Blázquez, nos acerca a una visión única de Madrid entre 1976 y 1979, un período de transformación profunda de la ciudad, un periodo en el que ambos documentaron cómo Madrid vivió el proceso de expansión y renovación, en un contexto de esperanza por el cambio social y político que traía la transición en España.

Las fotografías fueron tomadas específicamente para la publicación MADRID EN 100 FASCÍCULOS, iniciada en 1979. En ellas se reflejan los nuevos barrios que surgieron con la expansión de la ciudad, reemplazando antiguas viviendas, chabolas y zonas de cultivo por modernas construcciones. Los barrios que una vez fueron marginales, como Pozo del Tío Raimundo, San Pascual o los poblados de Absorción, comenzaron a ser reemplazados por nuevos desarrollos como Monte Carmelo y Las Tablas, cercanos al antiguo pueblo de Fuencarral. Algunos barrios evolucionaron con el tiempo, adaptándose a las nuevas realidades de la ciudad, pasando de la marginalidad a una integración más plena en la estructura urbana.

Esas fotografías pueden ser contempladas en su estado original, pudiendo examinar como igual que esos barrios, también han sufrido el paso del tiempo.

Tras vivir en primera persona rodeado por explotaciones mineras a cielo abierto, ha sido espectador directo de el proceso de desertificación del territorio como consecuencia de la industria minera, contemplando como lo que un día fue una gran montaña se ha visto reducido progresivamente a planicies de grava y arena. Impresionado entre la maravilla y el horror de la belleza cambiante del no-lugar, contempla esa transformación de la superficie en paisajes marcianos.

Y es así como surge el proyecto Terraforme compuesto partiendo de una performance recopilada en formato fotográfico, pretende ocupar e intervenir estos espacios desertificados de nuestra geografía para contar la historia hipotética de la colonización espacial, explorando diferentes puntos de vista de la vida en el planeta rojo por medio de la dirección de arte y la experimentación en terrenos deshabitados relacionados con la historia de la minería en España.

El argumento de Lugares De Paso es el viaje, el recorrido, la vida en sí misma, o la huida según se mire…, en la que la luz, un faro en el horizonte o un neón nos regala esa sensación de calor, de esperanza, de casa transitoria donde nos reconfortamos temporalmente y nos reunimos «especies» de toda índole.

Son lugares inhabitados intencionalmente, de manera que el espectador complete la ocupación imaginaria de estos parajes, ofreciendo una perspectiva positiva pero ambigua a partes iguales, pues Miguel Tejero nos plantea un trampantojo escénico compuesto por piezas seleccionadas de su puzzle personal donde conviven fotografías reales con lugares imaginados, conformando sus propias realidades imaginadas que nos invita a transitar con nuestra perspectiva individualizada.

La propuesta De vidas ajenas tiene como objetivo capturar la esencia de la vida urbana a través de fotografías callejeras, en las que los protagonistas son las personas y sus interacciones en diversos entornos urbanos alrededor del mundo. Un enfoque fotográfico que se centra en capturar la esencia del ser humano de manera cinematográfica, buscando la belleza en los momentos cotidianos y sumergiéndose en el caos de la vida urbana.

Cada imagen es una composición cuidadosa, donde la luz, el color y la acción de las personas se combinan para crear atmósferas únicas. Desde parques en Nueva York hasta tabernas en Roma, el proyecto invita a detenerse un momento en el ajetreo de la vida cotidiana y apreciar la belleza efímera que se esconde en los pequeños detalles del día a día.

Implosión es una serie fotográfica que explora la expresión visual desde una perspectiva interna, buscando representar no la realidad superficial, sino un universo intrínseco que se manifiesta en formas que dialogan a través de la figura y el concepto. La serie se enfoca en una pregunta central: ¿qué ocurre con la expresión del cuerpo cuando lo cubrimos?

Utilizando manipulación digital las imágenes se mueven entre lo abstracto y lo figurativo, dejando espacio para la interpretación del espectador. Aborda temas profundos como la fe, el amor, la corona, el espacio, la soledad, la fuga y la moda, tejiendo todos estos elementos en una estética unificada. La fotografía se aleja de lo documental y se acerca a lo pictórico, con un estilo minimalista y depurado. El uso predominante del rojo sobre fondo negro refuerza la sensación de ingravidez, como si las figuras flotaran entre la materia y la emoción, creando un espacio suspendido y evocador.

Strata es un proyecto fotográfico inédito de RGF, que traslada al espectador a Edimburgo, específicamente a Calton Hill, un lugar emblemático con el que el artista ha tenido una relación de más de cincuenta años.

A lo largo de las décadas, RGF ha explorado diversos aspectos de este espacio monumental, desde paisajes imaginarios y sombríos hasta figuras inquietantes. Sin embargo, en esta serie, su enfoque es más directo y realista. La atención del artista se centra en la cubierta vegetal que rodea Calton Hill, que, al ser recortada, revela una estratigrafía de residuos y basura acumulada a lo largo de los años. Esta capa oculta es un reflejo de los bajos fondos de la ciudad, una ciudad que, a pesar de su imagen turística pulida, oculta una realidad de pobreza y criminalidad.

A través de su manipulación de estos espacios y momentos de luz, RGF no solo revela una dimensión física de la ciudad, sino también sus debilidades sociales, cuestionando la apariencia idealizada de Edimburgo como destino turístico mientras expone sus realidades más oscuras.

RGF ha aprovechado esos momentos de luz para hacer suyos esos espacios, manipulando su realidad inmediata, pero al mismo tiempo revelando de algún modo los bajos fondos y debilidades que esconde una ciudad que lleva años perfeccionando su imagen de destino imprescindible.

El proyecto La moda a pie de calle nace de la noche y se despliega sobre la piel de aquellos que viven al límite, cuerpos que permanecen en el silencio de una ciudad que rara vez los ve. Son retratos donde la moda, la transgresión y la libertad se fusionan en una narrativa visual influenciada por el mundo underground, el exceso y la belleza que surge desde la marginalidad.

Inspirado por la mirada de John Galliano, especialmente por su habilidad para convertir cada prenda en una historia y transformar sus desfiles en obras teatrales donde cada pieza tiene un significado profundo, Víctor sale a la calle en busca de personajes que, con su manera de vestir y habitar la noche, transmiten algo más allá de lo superficial, desafiando las normas de género, utilizan el cuerpo como manifiesto y ven la moda como un acto político.

Plagado de detalles visuales como texturas, tatuajes, corsés, encajes, plataformas, brillos y heridas visibles, que forman parte de la identidad de los protagonistas, apartándose de los cánones establecidos y habitando aquello que incomoda y desborda los límites de la convencionalidad, este proyecto se torna en homenaje a aquellos que sobreviven con estilo transformando la rotura y la oscuridad en pura belleza.